Fotogrāfija: ar atļauju Naturhistorisches Museum

Jūsu mākslas vēstures skulptūra, šī mazā figūriņa, kuras augstums ir nedaudz vairāk par četrām collām, tika atklāta Austrijā 1908. gadā. Neviens nezina, kādai funkcijai tā bija, taču minējumi ir bijuši no auglības dievietes līdz masturbācijas palīglīdzeklim. Daži zinātnieki norāda, ka tas varētu būt sievietes pašportrets. Tas ir slavenākais no daudziem šādiem objektiem no vecā akmens laikmeta.

Fotogrāfija: ar atļauju CC/Wiki Media/Philip Pikart

Šis portrets ir bijis sievišķīga skaistuma simbols, kopš tas pirmo reizi tika atklāts 1912. gadā Amarnas drupās, galvaspilsētas drupās, ko uzcēlis Senās Ēģiptes vēstures vispretrunīgākais faraons Ehnatons. Viņa karalienes Nefertiti dzīve ir kaut kas noslēpumains: tiek uzskatīts, ka viņa kādu laiku pēc Ehnatona nāves valdīja kā faraona vai, visticamāk, kā zēna karaļa Tutanhamona līdzreģente. Kāds ēģiptologs uzskata, ka viņa patiesībā bija Tuta māte. Tiek uzskatīts, ka šī kaļķakmens krūšutē, kas pārklāta ar apmetumu, ir Ehnatona galma tēlnieka Tutmosa roku darbs.

Fotogrāfija: ar atļauju CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

1974. gadā atklātā terakotas armija ir milzīga māla statuju krātuve, kas aprakta trīs masīvās bedrēs netālu no Ši Huanga, pirmā Ķīnas imperatora, kurš nomira 210. gadā pirms mūsu ēras, kapa. Tiek uzskatīts, ka armijā ir vairāk nekā 8000 karavīru, kā arī 670 zirgi un 130 kaujas rati, lai aizsargātu viņu pēcnāves dzīvē. Katrs ir dabiskais izmērs, lai gan faktiskais augstums mainās atkarībā no militārā ranga.

Fotogrāfija: ar atļauju CC/Wiki Media/LivioAndronico

Varbūt slavenākā romiešu senatnes skulptūra,Laokūns un viņa dēlisākotnēji tika izrakts Romā 1506. gadā un pārvietots uz Vatikānu, kur tas dzīvo līdz mūsdienām. Tā pamatā ir mīts par Trojas priesteri, ko kopā ar saviem dēliem nogalināja jūras čūskas, kuras sūtīja jūras dievs Poseidons kā atriebība par Laokūna mēģinājumu atmaskot Trojas zirga viltus. Sākotnēji tas tika uzstādīts imperatora Tita pilī, un šī dabiskā izmēra figurālā grupa, kas piedēvēta grieķu tēlnieku trijotnei no Rodas salas, ir nepārspējama cilvēku ciešanu izpēte.

Fotogrāfija: ar atļauju CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Viens no ikoniskākajiem darbiem visā mākslas vēsturē, Mikelandželo Dāvids radās lielākā projektā, lai izrotātu Florences lielās katedrāles Doma balstus ar figūru grupu, kas ņemta no Vecās Derības. TheDeividsbija viens, un to 1464. gadā aizsāka Agostino di Dučo. Nākamo divu gadu laikā Agostino paguva iztīrīt daļu no milzīgā marmora bloka, kas izcirsts slavenajā Karāras karjerā, pirms apstājās 1466. gadā. (Neviens nezina, kāpēc.) Cits mākslinieks paņēma atslābumu, bet arī viņš tikai īsi pie tā strādāja. Marmors palika neskarts nākamos 25 gadus, līdz 1501. gadā Mikelandželo atsāka to grebt. Tolaik viņam bija 26 gadi. Kad Dāvids bija pabeigts, tas svēra sešas tonnas, kas nozīmē, ka to nevarēja pacelt uz katedrāles jumta. Tā vietā tas tika izstādīts tieši ārpus ieejas Palazzo Vecchio, Florences rātsnamā. Figūru, vienu no tīrākajiem augstās renesanses stila destilātiem, Florences sabiedrība nekavējoties uztvēra kā simbolu pilsētvalsts pretestībai pret to vērstajām varām. 1873. gadāDeividstika pārvietots uz Accademia Gallery, un tā kopija tika uzstādīta tās sākotnējā vietā.

Fotogrāfija: ar atļauju CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Atzīts kā augstā romiešu baroka stila aizsācējs, Džans Lorenco Bernīni radīja šo šedevru kapelai Santa Maria della Vittoria baznīcā. Baroks bija nesaraujami saistīts ar kontrreformāciju, ar kuras palīdzību katoļu baznīca mēģināja apturēt protestantisma paisumu visā 17. gadsimta Eiropā. Tādi mākslas darbi kā Bernīni bija daļa no programmas, lai vēlreiz apstiprinātu pāvesta dogmas, ko šeit lieliski apkalpo Bernīni ģēnijs, kas piesātināja reliģiskās ainas ar dramatiskiem stāstiem.EkstazīTas ir piemērs: tā tēma — Svētā Terēze no Avilas, spāņu karmelītu mūķene un mistiķe, kura rakstīja par savu tikšanos ar eņģeli — ir attēlota tieši tad, kad eņģelis grasās iegremdēt bultu viņas sirdī.EkstazīErotiskās pieskaņas ir nepārprotamas, jo īpaši mūķenes orgasmiskajā izteiksmē un abas figūras apvijošajā audumā. Būdams arhitekts kā mākslinieks, Bernīni arī veidoja kapelas dekorāciju marmorā, apmetumā un krāsās.

Fotogrāfija: Metropolitēna mākslas muzeja/Flečera fonda atļauja

Itāļu mākslinieks Antonio Kanova (1757–1822) tiek uzskatīts par izcilāko 18. gadsimta tēlnieku. Viņa darbs iemiesoja neoklasicisma stilu, kā jūs varat redzēt viņa grieķu mītiskā varoņa Perseja atveidojumā marmorā. Canova faktiski izveidoja divas gabala versijas: viena atrodas Vatikānā Romā, bet otra atrodas Metropolitēna mākslas muzeja Eiropas skulptūru tiesā.

Fotogrāfija: Metropolitēna mākslas muzejs

Lai gan impresionisma meistars Edgars Degas ir vislabāk pazīstams kā gleznotājs, viņš strādāja arī tēlniecībā, radot neapšaubāmi radikālāko viņa darbu. Degas modeMazā četrpadsmitgadīgā dejotājano vaska (no kura tika izlietas turpmākās bronzas kopijas pēc viņa nāves 1917. gadā), taču fakts, ka Degas ietērpa savu tāda paša nosaukuma subjektu īstā baleta kostīmā (komplektā ar ņieburu, tutu un čībām) un īstu matu parūku, izraisīja sensāciju, kadDejotājadebitēja Sestajā impresionistu izstādē 1881. gadā Parīzē. Degas izvēlējās lielāko daļu savu rotājumu segt ar vasku, lai tie atbilstu pārējiem meitenes vaibstiem, taču viņš saglabāja tutu, kā arī lenti, kas aizsēja viņas matus, kā tie bija, padarot figūru par vienu no pirmajiem atrastā priekšmeta paraugiem. art.Dejotājabija vienīgā skulptūra, ko Degā izstādīja savas dzīves laikā; pēc viņa nāves viņa studijā tika atrasti vēl kādi 156 eksemplāri.

Fotoattēls: Filadelfijas Mākslas muzejs

Lai gan lielākajai daļai cilvēku lielais franču tēlnieks Ogists Rodēns asociējas arDomātājs, šis ansamblis, kas piemin incidentu Simtgadu kara laikā (1337–1453) starp Lielbritāniju un Franciju, ir svarīgāks tēlniecības vēsturē. Pasūtīts parka izveidei Kalē pilsētā (kur 1346. gadā tika atcelts gadu ilgušais angļu aplenkums, kad seši pilsētas vecākie piedāvāja sevi sodīšanai apmaiņā pret iedzīvotāju saudzēšanu).Burgeriizvairījās no tā laika pieminekļiem raksturīgā formāta: Tā vietā, lai figūras būtu izolētas vai saliktas piramīdā uz augsta pjedestāla, Rodins salika savus dabiskā izmēra objektus tieši uz zemes, vienā līmenī ar skatītāju. Šī radikālā virzība uz reālismu pārtrauca varonīgo attieksmi, ko parasti piešķīra šādiem āra darbiem. ArBurgeri, Rodins spēra vienu no pirmajiem soļiem modernās tēlniecības virzienā.

Fotogrāfija: ar atļauju CC/Flickr/Wally Gobetz

1912. gadā Pikaso izveidoja kartona maketu no gabala, kam bija liela ietekme uz 20. gadsimta mākslu. Arī MoMA kolekcijā tā attēloja ģitāru — tēmu, kuru Pikaso bieži pētīja glezniecībā un kolāžās, un daudzos aspektos,Ģitārapārnesa kolāžas griešanas un ielīmēšanas tehnikas no divām dimensijām uz trim. Tā darīja to pašu arī kubismam, saliekot plakanas formas, lai izveidotu daudzšķautņainu formu gan ar dziļumu, gan apjomu. Pikaso inovācija bija izvairīties no parastās skulptūras griešanas un modelēšanas no cietas masas. Tā vietāĢitārabija piestiprināts kopā kā konstrukcija. Šī ideja atbalsotos no krievu konstruktīvisma līdz minimālismam un ne tikai. Divus gadus pēc izgatavošanasĢitārano kartona, Pikaso izveidoja šo versiju sagrieztā skārda veidā

Fotogrāfija: Metropolitēna mākslas muzejs

No tā radikālajiem pirmsākumiem līdz pēdējai fašisma iemiesojumam itāļu futūrisms šokēja pasauli, taču neviens darbs nepārliecināja par kustības milzīgo delīriju kā šī skulptūra ar vienu no tās vadošajām gaismām: Umberto Bočoni. Sācis strādāt kā gleznotājs, Boccioni pievērsās darbam trīs dimensijās pēc 1913. gada ceļojuma uz Parīzi, kurā viņš apceļoja vairāku tā laika avangarda tēlnieku, piemēram, Konstantīna Brancusi, Raimonda Dišāna-Viljona un Aleksandra Arčipenko, studijas. Bočoni sintezēja savas idejas šajā dinamiskajā šedevrā, kurā attēlota strauja figūra, kas atrodas kustības “sintētiskā nepārtrauktībā”, kā to aprakstījis Bočoni. Sākotnēji šis gabals tika izveidots no ģipša un tika atliets tā pazīstamajā bronzas versijā līdz 1931. gadam, krietni pēc mākslinieka nāves 1916. gadā Itālijas artilērijas pulka sastāvā Pirmā pasaules kara laikā.

Fotogrāfija: ar atļauju CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Rumānijā dzimušais Brancusi bija viens no nozīmīgākajiem 20. gadsimta sākuma modernisma tēlniekiem un patiešām viena no nozīmīgākajām figūrām visā tēlniecības vēsturē. Sava veida proto-minimālists Brancusi ieguva formas no dabas un racionalizēja tās abstraktos attēlos. Viņa stilu ietekmēja viņa dzimtenes tautas māksla, kurā bieži bija redzami koši ģeometriski raksti un stilizēti motīvi. Viņš arī nenošķīra objektu un pamatu, dažos gadījumos uzskatot tos par savstarpēji aizvietojamiem komponentiem - pieeja, kas pārstāvēja būtisku lūzumu ar tēlniecības tradīcijām. Šis ikoniskais gabals ir viņa modeles un mīļākās Margitas Pogāņas, ungāru mākslas studentes Margitas Pogāņas portrets, kuru viņš satika Parīzē 1910. gadā. Pirmā iterācija tika izgrebta marmorā, kam sekoja ģipša kopija, no kuras tika izgatavota šī bronza. Pats apmetums tika izstādīts Ņujorkā leģendārajā Armory Show 1913. gadā, kur kritiķi par to ņirgājās un izsmēja. Taču tas bija arī izrādē visvairāk reproducētais gabals. Brancusi strādāja pie dažādām versijāmMlle Poganykādus 20 gadus.

Fotogrāfija: Modernās mākslas muzeja atļauja

Velosipēda ritenistiek uzskatīts par pirmo no Dišāna revolucionārajiem projektiem. Tomēr, kad viņš pabeidza darbu savā Parīzes studijā, viņam īsti nebija ne jausmas, kā to nosaukt. "Man radās laimīga ideja piestiprināt velosipēda riteni pie virtuves krēsla un skatīties, kā tas griežas," vēlāk teica Dišāns. Bija vajadzīgs 1915. gada ceļojums uz Ņujorku un pilsētas plašā rūpnīcā ražoto preču izlaiduma pakļaušana, lai Dišāns izdomātu gatavu terminu. Vēl svarīgāk ir tas, ka viņš sāka redzēt, ka mākslas veidošana tradicionālā, ar rokām darinātā veidā industriālajā laikmetā šķita bezjēdzīga. Kādēļ gan uztraukties, viņš norādīja, ja plaši pieejami izstrādājumi varētu paveikt šo darbu. Dišānam svarīgāka bija mākslas darba ideja, nevis veids, kā tas tika izveidots. Šis jēdziens — iespējams, pirmais īstais konceptuālās mākslas piemērs — pilnībā pārveidotu mākslas vēsturi uz priekšu. Līdzīgi kā parasts sadzīves priekšmets, tomēr oriģinālsVelosipēda ritenisneizdzīvoja: šī versija patiesībā ir 1951. gada kopija.

Fotogrāfija: Vitnijas Amerikas mākslas muzejs, © 2019 Calder Foundation, Ņujorka/Mākslinieku tiesību biedrība (ARS), Ņujorka

Mīļots Vitnija muzeja pastāvīgās kolekcijas aprīkojums,Kaldera cirksdestilē rotaļīgo būtību, ko Aleksandrs Kalders (1898–1976) atklāja kā mākslinieks, kurš palīdzēja veidot 20. skulptūru.Cirks, kas tika radīts mākslinieka laikā Parīzē, bija mazāk abstrakts nekā viņa piekārtie “mobilie”, taču savā veidā tas bija tikpat kinētisks: galvenokārt izgatavots no stieples un koka,Cirkskalpoja par centrālo daļu improvizācijas priekšnesumiem, kuros Kalders kā dievam līdzīgs gredzenmeistars pārvietojās ap dažādām figūrām, kas attēloja kropļotājus, zobenu rijējus, lauvu pieradinātājus utt.

Fotogrāfija: J. Pola Getija muzeja atļauja

Kā gleznotāju un gobelēnu dizaineru, kā arī tēlnieku franču mākslinieku Aristīdu Mailolu (1861–1944) vislabāk varētu raksturot kā modernu neoklasicistu, kurš tradicionālajām grieķu-romiešu statujām ieviesa 20. gadsimta vērienu. Viņu varētu raksturot arī kā radikāli konservatīvu, lai gan jāatceras, ka pat tādi avangarda laikabiedri kā Pikaso radīja darbus neoklasicisma stilā pēc Pirmā pasaules kara. Maillola tēma bija sievietes akts, unL'Air, viņš ir radījis kontrastu starp viņa subjekta materiālo masu un veidu, kā viņa, šķiet, peld kosmosā, it kā līdzsvarojot noturīgo fiziskumu ar izgaistošu klātbūtni.

Fotogrāfija: ar atļauju CC/Flickr/C-Monster

Japāņu māksliniece, kas strādā dažādos medijos, Kusama ieradās Ņujorkā 1957. gadā, bet 1972. gadā atgriezās Japānā. Pa šo laiku viņa kļuva par galveno figūru pilsētas centrā, kuras māksla skāra daudzus pamatus, tostarp popmākslu, minimālismu. un Performance Art. Kā sieviete māksliniece, kas bieži atsaucās uz sieviešu seksualitāti, viņa bija arī feministiskās mākslas priekštece. Kusamas darbu bieži raksturo halucinogēni modeļi un formu atkārtojumi, tieksme, kas sakņojas noteiktos psiholoģiskos apstākļos - halucinācijās, OKT -, viņa cietusi kopš bērnības. Visi šie Kusumas mākslas un dzīves aspekti ir atspoguļoti šajā darbā, kurā parastu, polsterētu atpūtas krēslu nemierīgi aptver sērgai līdzīgs fallisku izciļņu uzliesmojums, kas izgatavots no šūta pildīta auduma.

Fotogrāfija: Vitnijas Amerikas mākslas muzejs, Ņujorka, © 2019 Estate of Marisol / Albright-Knox mākslas galerija / Mākslinieku tiesību biedrība (ARS), Ņujorka

Marisola Eskobara (1930–2016), pazīstama vienkārši ar savu vārdu, dzimusi Parīzē venecuēliešu vecāku ģimenē. Kā māksliniece viņa saistījās ar popārtu un vēlāk ar op art, lai gan stilistiski viņa nepiederēja nevienai grupai. Tā vietā viņa radīja figurālus attēlus, kas bija domāti kā feministiskas satīras par dzimumu lomām, slavenībām un bagātību. InSievietes un sunsviņa uzņemas sieviešu objektivizāciju un veidu, kā tiek izmantoti vīriešu uzspiestie sievišķības standarti, lai piespiestu viņas pielāgoties.

Fotogrāfija: ar atļauju CC/Flickr/Rocor

Brillo Box, iespējams, ir vislabāk zināmā no skulpturālo darbu sērijām, kuras Vorhols radīja 60. gadu vidū, un kas efektīvi pārņēma viņa popkultūras izpēti trīs dimensijās. Atbilstoši nosaukumam, ko Vorhols bija devis savai studijai — rūpnīcai, mākslinieks nolīga galdniekus, lai viņi strādātu pie sava veida montāžas līnijas, pienaglojot koka kastes kartona formā dažādiem izstrādājumiem, tostarp Heinca kečupam, Kellogg's kukurūzas pārslām un Kempbela zupai. nu Brillo ziepju spilventiņi. Pēc tam viņš katru kastīti nokrāsoja oriģinālam atbilstošā krāsā (Brillo gadījumā baltā krāsā), pirms pievienoja produkta nosaukumu un logotipu sietspiedē. Kastes tika izveidotas vairākas reizes, un tās bieži tika rādītas lielās kaudzēs, efektīvi pārvēršot jebkuru galeriju, kurā tās atradās, par augstas kultūras noliktavas faksimilu. Viņu forma un sērijveida produkcija, iespējams, bija mājiens vai parodija tobrīd topošajam minimālisma stilam. Bet patiesā būtībaBrillo kasteir tas, kā tās ciešā tuvināšana reālajai lietai grauj mākslinieciskās konvencijas, norādot, ka nav reālas atšķirības starp rūpnieciskajām precēm un darbu no mākslinieka studijas.

Fotogrāfija: ar atļauju CC/Flickr/Esther Westerveld

Donalda Džada vārds ir sinonīms Minimālajai mākslai — 60. gadu vidus kustībai, kas modernisma racionālistisko spriegumi pārtvaicēja līdz pamatlietām. Džadam tēlniecība nozīmēja darba konkrētās klātbūtnes formulēšanu telpā. Šī ideja tika aprakstīta ar terminu “konkrēts objekts”, un, lai gan citi minimālisti to pieņēma, Džads neapšaubāmi deva idejai tās tīrāko izpausmi, pieņemot lodziņu kā savu paraksta veidlapu. Tāpat kā Vorhols, viņš tos ražoja kā atkārtotas vienības, izmantojot materiālus un metodes, kas aizgūtas no rūpnieciskās ražošanas. Atšķirībā no Vorhola zupas kārbām un Merilinas, Džada māksla neatsaucās uz neko ārpus sevis. Viņa “kaudzītes” ir vieni no viņa pazīstamākajiem skaņdarbiem. Katra sastāv no identiski seklu kastu grupas, kas izgatavotas no cinkotas lokšņu metāla, kas izvirzītas no sienas, lai izveidotu vienmērīgi izvietotu elementu kolonnu. Taču Džads, kurš savu darbu sāka kā gleznotājs, bija tikpat ieinteresēts gan krāsās un faktūrās, gan formās, kā redzams zaļi tonētā autokorpusa lakā, kas tika uzklāta uz katras kastes priekšpuses. Džada krāsu un materiālu saspēle dodBez nosaukuma (steka)izsmalcināta elegance, kas mīkstina tās abstrakto absolūtismu.

Fotogrāfija: ar atļauju CC/Flickr/Rocor

Tāpat kā Benglis, Hese bija māksliniece sieviete, kas postminimālismu filtrēja caur feministisku prizmu. Ebrejs, kurš bērnībā aizbēga no nacistiskās Vācijas, viņa pētīja organiskās formas, veidojot rūpnieciskās stikla šķiedras, lateksa un virves gabalus, kas izsauca ādu vai miesu, dzimumorgānus un citas ķermeņa daļas. Ņemot vērā viņas izcelsmi, tādos darbos kā šis ir vilinoši atrast traumas vai satraukuma pamatu.

Fotogrāfija: Modernās mākslas muzeja atļauja

Pēc Džada un Flavina mākslinieku grupa atkāpās no minimālisma tīro līniju estētikas. Kā daļa no šīs postminimālisma paaudzes Ričards Serra konkrētā objekta koncepciju izmantoja steroīdos, ievērojami palielinot tā mērogu un svaru un padarot gravitācijas likumus par ideju neatņemamu sastāvdaļu. Viņš radīja nedrošus līdzsvarošanas aktus no tērauda vai svina plāksnēm un caurulēm, kas sver tonnās, kas radīja darbam bīstamības sajūtu. (Divas reizes montieri, kas uzstādīja Serra detaļas, tika nogalināti vai sakropļoti, kad darbs nejauši sabruka.) Pēdējās desmitgadēs Serra darbs ir pieņēmis izliektu pilnveidojumu, kas to padarījis ļoti populāru, taču sākumā tas darbojas kā One Ton Prop (House). of Cards), kurā ir četras kopā saliektas svina plāksnes, brutāli tiešā veidā pauda savas bažas.

Fotogrāfija: ar atļauju CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Sekojot vispārējai pretkultūru tendencei 1960. un 1970. gados, mākslinieki sāka sacelties pret galeriju pasaules komercialitāti, attīstot radikāli jaunas mākslas formas, piemēram, zemes darbus. Zināms arī kā zemes māksla, žanra vadošā figūra bija Roberts Smitsons (1938–1973), kurš kopā ar tādiem māksliniekiem kā Maikls Heizers, Valters De Marija un Džeimss Turrels devās ASV rietumu tuksnešos, lai radītu monumentālus darbus, kas rīkojās saskaņoti ar apkārtējo vidi. Šī vietnei specifiskā pieeja, kā to sāka saukt, bieži izmantoja materiālus, kas ņemti tieši no ainavas. Tā tas ir Smitsona gadījumāSpirālveida mols, kas iespiežas Jūtas Lielajā Sālsezerā no Rozel Point ezera ziemeļaustrumu krastā. Izgatavots no dubļiem, sāls kristāliem un bazalta, kas iegūts uz vietas,Spirālveida mola mēri1500 x 15 pēdas. Tas bija iegremdēts zem ezera gadu desmitiem, līdz sausums 2000. gadu sākumā to atkal izcēla virspusē. 2017. gadāSpirālveida molsgadā tika nosaukts par oficiālo Jūtas mākslas darbu.

Fotogrāfija: ar atļauju CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Francijā dzimušā mākslinieka parakstu darbs,Zirneklistika radīta 90. gadu vidū, kad Bourgeois (1911-2010) jau bija astoņdesmitajos. Tas pastāv daudzās dažāda mēroga versijās, tostarp dažās, kas ir monumentālas.Zirneklisir domāts kā veltījums mākslinieces mātei, gobelēnu restauratorei (tātad mājiens uz zirnekļveidīgo tieksmi vērpt tīklus).

Shutterstock

Prestižās Tērnera balvas ieguvējs 1994. gadā Antonijs Gormlijs ir viens no slavenākajiem mūsdienu tēlniekiem Apvienotajā Karalistē, taču viņš visā pasaulē ir pazīstams arī ar savu unikālo figurālās mākslas pieeju, kuras pamatā ir plaša mēroga un stila variācijas. lielākoties uz tās pašas veidnes: Paša mākslinieka ķermeņa atlējums. Tas attiecas uz šo milzīgo spārnoto pieminekli, kas atrodas netālu no Geitshedas pilsētas Anglijas ziemeļaustrumos. Atrodas pie lielas šosejas,Eņģelispaceļas līdz 66 pēdu augstumam un sniedzas 177 pēdu platumā no spārna gala līdz spārna galam. Saskaņā ar Gormley, darbs ir domāts kā sava veida simbolisks marķieris starp Lielbritānijas industriālo pagātni (skulptūra atrodas Anglijas ogļu valstī, industriālās revolūcijas centrā) un tās postindustriālo nākotni.

Pieklājīgi CC/Flickr/Richard Howe

Čikāgas iedzīvotāji to mīļi sauc par “Pupiņu” tās izliektās elipsoidālās formas dēļ,Mākoņu vārti, Anish Kapoor publiskās mākslas centrālais elements Otrās pilsētas tūkstošgades parkā, ir gan mākslas darbi, gan arhitektūra, nodrošinot Instagram gatavu arku svētdienas ratiņiem un citiem parka apmeklētājiem. Izgatavots no spoguļa tērauda,Mākoņu vārti's fun-house atstarošanās spēja un liela mēroga padara to par Kapūra pazīstamāko skaņdarbu.

Pieklājīgi mākslinieks un Grīna Naftali, Ņujorka

Reičelas Harisones darbs apvieno nevainojamu formālismu ar prasmi piesātināt šķietami abstraktus elementus ar vairākām nozīmēm, tostarp politiskām. Viņa nikni apšauba monumentalitāti un ar to saistīto vīrišķo prerogatīvu. Harisone veido lielāko daļu savu skulptūru, sakraujot un kārtojot putupolistirola blokus vai plātnes, pirms tās pārklāj ar cementa un gleznieciskā uzplaukuma kombināciju. Ķirsis augšpusē ir kaut kāds atrasts objekts, vai nu viens pats, vai kopā ar citiem. Lielisks piemērs ir šis manekens iegarenā, ar krāsu izšļakstītā formā. Ar apmetni un uz aizmuguri vērstu Ābrahama Linkolna masku darbs sūta vēstures diženā teoriju, atsaucoties uz senās pasaules iekarotāju, kurš stāv augstumā uz klauna krāsas klints..